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Sinopsis

Ganga Bruta (1933) cuenta la historia de Marcos, un ingeniero rico, que al descubrir que su nueva esposa no es virgen, la asesina. Es absuelto y se muda rápidamente al campo, donde se ve envuelto en un triángulo amoroso que culmina con la muerte del otro hombre y con la boda de él y su nuevo amor.

Ganga Bruta es una película que todavía se ocupa de la cuestión de lo que significa la modernidad y el avance tecnológico para el continente. Esta fue otra película que examinaba esta fase del desarrollo de Brasil y se estrenó dos años después de otro clásico brasileño, Límite. En su artículo “Humberto Mauro y la Situación Histórica”, el prestigioso director brasileño Glauber Rocha compara las dos películas: “Si Limite corresponde sin duda al cine de vanguardia francés y revela a un artista lleno de esteticismo subjetivo, Ganga Bruta no sólo corresponde a la vena poética de cineastas como [Jean] Vigo o [Robert J.] Flaherty, sino que también se implementa dentro de una situación que no limitó a Mauro a un lenguaje pretencioso. […] Tenía ante sí el paisaje de Minas Gerais y dentro de él la visión de un cineasta educado por la sensibilidad, la inteligencia y el coraje”. Ganga Bruta es una película, cuya política es muy contraria a la mía y a la del movimiento Cinema Novo, pero las elecciones estéticas que hizo y la mezcla de estilos la convirtieron en la primera película verdaderamente brasileña, hecha por y para brasileños.

En el centro de la filosofía del director Humberto Mauro está el hecho de que lo único en lo que se puede confiar de verdad es en las máquinas del futuro. La naturaleza, al igual que las mujeres en la vida de Marcos, pueden ser decepcionante. En los flashbacks de su anterior relación con su novia asesinada, todas las escenas los muestran galanteando en la playa, nadando o navegando, disfrutando de los placeres del cuerpo del otro. Cegado por el sol y su belleza, este ingeniero es incapaz de ver que ella no es pura. Su nueva vida, en cambio, está guiada por la maquinaria moderna. Se dirige al campo para construir una fábrica y la cámara se acerca a las ruedas del tren que se mueven a un paso rítmico mientras lo llevan hacia allí.

Su relación con Sonia, su nuevo amor, también está marcada por las máquinas que le rodean. En uno de los primeros intentos de coqueteo de Sonia, ella pregunta a un indiferente Marcos si le gustaría dar un paseo con ella en su coche. Más tarde queda claro que el coche es una zona erótica y que ese paseo era casi como una invitación al sexo. A medida que su relación avanza, finalmente tienen una cita que consiste en que Marcos le toma la foto a Sonia en distintos lugares de la construcción. Su relación culmina finalmente con una declaración de amor y luego un rápido corte a un montaje de perforaciones, explosiones, maquinaria metálica larga y dura, y fuego. Este episodio freudiano muestra el carácter eufórico de la máquina moderna.

La naturaleza no es tan eufórica, aunque tiene sus momentos. El agua también juega un gran papel simbólico en la película. Para Sonia, el agua parece ser un elemento purificador. Un día, se cae y casi se ahoga cuando Marcos la salva. Esto representa un giro brusco con respecto al hecho de haber matado a una mujer al principio de la película. Juegan en el agua cuando están juntos y estos momentos parecen conectarlos con lo que realmente importa en la vida. Pero, como he dicho antes, el flashback de Marcos de su época con su ex novia le muestra a él y a su amor en la playa. Y más tarde, cuando el amante de Sonia, Decio, se enfrenta a él, cae y se ahoga bajo una cascada. La naturaleza es voluble, las máquinas son una certeza. Aunque Marcos puede encontrar la armonía en estos dos ámbitos, sólo podemos confiar realmente en uno.

Además, sólo podemos confiar realmente en un tipo de persona, el ingeniero hijo de urbanistas ricos. Está claro que ése es el verdadero mensaje de la película basándose en su título. El significado de “gangue” es “la roca o materia venosa sin valor en la que se encuentran metales o minerales valiosos”. El novio de Sônia y la primera esposa de Marcos son como la ganga de la sociedad, desechables y que se dejan acumular en forma de coluviones, para que Marcos, el mineral valioso del patriarcado, pueda mantener su posición privilegiada en un mundo que está cambiando rápidamente. Los trabajadores de Marcos también parecen caricaturas. En el bar donde los conoce y les da una paliza heroica a todos, parecen ser idiotas ciegos y borrachos que no saben nada de las máquinas que se les ha encargado manejar. Tienen que hacerse a un lado y dejar que Marcos haga su trabajo como mejor le parezca.

La película termina con una escena de boda de Sonia y Marcos que parece finalmente redimido… ¿o no? El servicio está filmado de una forma casi idéntica a la de su primera boda. Tras un plano de su rostro solemne, la cámara corta a una escultura de Jesús en la cruz. Esto casi contradice el mensaje central de la película. ¿La maquinaria moderna le llevó al lugar correcto? Tal vez sí, pero su viaje aún no ha terminado. Por mucho que aborrezca la política de esta película que ve al hombre blanco burgués como la respuesta a los problemas de Brasil, es esta contradicción y variedad lo que hace que la película sea realmente interesante.

Cuando se estrenó en 1933, no fue bien recibida por el público brasileño y algunos críticos la calificaron como la peor del año. Sin embargo, es importante volver a las palabras de Glauber Rocha, el director más prolífico del Cinema Novo brasileño, para saber por qué, años después, fue considerada una película fundacional para el cine brasileño. Como dice Rocha, “Mauro crea una antología que parece abarcar lo mejor del impresionismo de Renoir, de la audacia de Griffith, de la fuerza de Eisenstein, del humor de Chaplin, de las composiciones de luz y sombra de Murnau. . . . Expresionista en sus primeros cinco minutos (la noche de bodas y el asesinato de la esposa por el marido), es un documental realista en la segunda secuencia (la libertad del asesino y sus paseos en tranvía por la ciudad). Luego, la película evoluciona hacia el western (la pelea en el bar, con el combate principal al mejor estilo John Ford) y crece con la fuerza del cine ruso clásico (la posesión de la mujer, las connotaciones eróticas freudianas del montaje metafórico en la fábrica de acero). Y aunque la mise-en-scène durante la discusión entre el novio de Sônia y el marido criminal… recuerda de nuevo al expresionismo alemán, todas las secuencias finales están impregnadas de un aire de melodramas de aventuras”. Mezclando el sonido y el silencio, el melodrama y el realismo, la película puede parecerse a L’Age D’Or, Los Olvidados, o incluso a El Graduado. ¿Un lío de estilos que parecen encajar bien en el mismo ritmo? A mí me suena brasileña.